GERARDO DIEGO - EL CIPRÉS DE SILOS

A Ángel del Río                       

Enhiesto surtidor de sombra y sueño   =(A) 11 sílabas

que acongojas el cielo con tu lanza.   =(B) 11 sílabas

Chorro que a las estrellas casi alcanza   =(B) 11 sílabas

devanado a sí mismo en loco empeño.   =(A) 11 sílabas

Mástil de soledad, prodigio isleño,   =(A) 11 sílabas

flecha de fe, saeta de esperanza.   =(B) 11 sílabas

Hoy llegó a ti, riberas del Arlanza,   =(B) 11 sílabas

peregrina al azar, mi alma sin dueño.   =(A) 11 sílabas

Cuando te vi señero, dulce, firme,   =(A) 11 sílabas

qué ansiedades sentí de diluirme   =(A) 10 sílabas

y ascender como tú, vuelto en cristales,   =(B) 11 sílabas

como tú, negra torre de arduos filos,   =(C) 11 sílabas

ejemplo de delirios verticales,   =(B) 11 sílabas

mudo ciprés en el fervor de Silos.   =(C) 11 sílabas

Introducción

En este soneto de Gerardo Diego (dos cuartetos y dos tercetos en versos endecasílabos), con rima consonante y métrica en arte mayor (más de ocho sílabas), titulado El Ciprés de Silos, el autor canta las alabanzas y su pasión de un majestuoso árbol, un ciprés, ubicado junto al río Arlanza y próximo al monasterio de Silos, Burgos, desde una perspectiva poética.

Contextualización


A pesar del hecho en el que España se encontraba inmersa en una dictadura (General Primo de Rivera) y su sociedad vivía con escasez y déficit económico, no alteró ni influyó en las obras de nuestro autor, las cuales omitían dicha situación.

Cabe destacar, la gran influencia e inspiración que obtuvo el autor en su diurna estancia en Burgos, en la hospedería del monasterio de Santo Domingo de Silos.
Quedó prendado de la exquisita belleza que irradiaba el claustro, que albergaba cuatro longevos cipreses, plasmo de aquella admiración en su poema.

Opinión Crítica

El ciprés de Silos es un soneto de 14 versos con rima consonante. En él nos transmite su admiración hacia un tieso ciprés vertical situado en la ribera del río Arlanza, junto al monasterio de Silos. Tal devoción es transmitida por nuestro autor, Gerardo Diego, mediante el empleo meticuloso de una serie de recursos literarios y estilísticos que reafirman sus sensaciones y sentimientos hacia la naturaleza y el alma.

En primer lugar  hace uso del hipérbaton con el que altera el orden lógico o normal de la frase con el mero fin de enfocarla hacia un punto más poético, "negra torre".

La utilización de la Anadiplosis en el tercer y cuarto párrafo, "y ascender como tú, vuelto en cristales como tú", proporciona un ritmo y percusión al poema lo que hace a la lectura más agradable y sonora.

En mi opinión, Gerardo Diego nos ilustra de manera más adecuada y verosímil el aspecto y las características que el árbol posee.

En el transcurso del poema se emplean una serie de recursos tales como; la Aliteración; "Surtidor de sombra y sueño", transmitiendo sonoridad, la Alegoría; "enhiesto surtidor de sombra y sueño, que acongojas el cielo con tu lanza", con el cual ansía expresar una idea mediante el uso de la metáfora en este caso resultando en una sensación de verticalidad, delgadez y punzadez.

Llegados a este punto, las metáforas predominan en todo el dominio de esta obra, sin duda alguna la gran protagonista. Las metáforas y los símil hacen que un simple Ciprés deje de serlo y pase a ser un majestuoso símbolo de elegancia y paz. Cabe destacar que este árbol se suele encontrar en las proximidades de los campo santos y que por ello refleja la fe y el teísmo religioso.

En general todas las bien logradas metáforas describen a este árbol como si de un neoyorquino rascacielos se tratara; alto, estrecho, tieso, rígido, solitario y sobresaliente ante toda su periferia. El autor muestra respeto y sumisión ante tremenda superioridad, reflejada en sus metáforas; "negra torre de ardos filos", "Chorro que a las estrellas casi alcanza", "mástil de soledad".

Podemos ver que el autor utiliza objetos y símbolos para que la descripción de verticalidad, presente en los cipreses, se afiance en el poema; "que acongojas el cielo con tu lanza", "mástil de soledad", "flecha de fe", "cuando te vi señero".

Por último simplemente manifestar la presencia de fe en numerosos versos del texto; "flecha de fe, saeta de esperanza", "peregrina al azar"; que expresan la vinculación de este tipo de coníferas con la funeraria, la muerte y su cometido en el ascenso de las almas al cielo.

Conclusión

Sin más dilación, "El Ciprés de Silos" es una muestra de las admirables habilidades líricas de Gerardo Diego.

Su extraordinaria capacidad de crear entornos idílicos y de enlazar un refinado sentido musical junto con una capacidad metafórica prodigiosa para dar lugar a un sentimiento de sumersión en lo espiritual, son lo que a nuestros ojos, lo convierte en un espléndido autor. 

Traspasa la barrera de lo convencional, en el sentido subjetivo, envuelto en un molde vigoroso ha transformado la realidad de Silos en una obra capaz de tocar los sentimientos del hombre.

Federico García Lorca

                                  FEDERICO GARCÍA LORCA

1. Contextualización:

Federico fue uno de los autores más importantes de su generación. Esto no sólo se debe a las exitosas de algunas de sus obras como "Bodas de Sangre", "Yerma" o "La Casa de Bernarda Alba", sino también a la época en la que escribió, cuando hubo importantes figuras culturales en España como Luis Buñuel o Salvador Dalí, con quienes se rumoreaba que Lorca tuvo relaciones románticas.Se reunío con diferentes autores y artistas gracias a que en 1919, se instaló en la Residencia de Estudiantes, de Madrid, y forjó amistades con escritores importantes como Juan Ramón, con artistas jóvenes como Dalí y Buñuel y con los poetas que más adelante formarán su propio grupo poético.

2. Biografía

  Nació en Fuentevaqueros (Granada) en 1898. Allí inició las carreras de Letras y Derecho. Además, estudió música y fue amigo de Manuel de Falla. 
  En 1919, se instaló en la Residencia de Estudiantes, y allí conoció a muchos artistas y escritores jóvenes con los que mantuvo relaciones importantes. Incluso llegó a forjar un grupo con otros jóvenes poetas.
  Su personalidad y su obra lo sitúaron pronto a la cabeza del grupo. Durante el curso 1929 marchó a Nueva York como becario.
   Cuando volvió a España, en 1932 fundó "La Barraca", grupo teatral universitario con el que recorrió los pueblos de España representando obras clásicas.
   En 1933 empezó un viaje a Buenos Aires, donde sus dramas tuvieron gran éxito y de nuevo en España, siguió con su trabajo de poeta, autor dramático, director escénico, conferenciante etc. Gracias a sus labores fue un hombre muy admirado y le hicieron numerosos homenajes, pero también había gente que le tenía malas envidias. Además su acercamiento cada vez mayor al pueblo le atrae odios, que al final terminaron en su asesinato a comienzos de la guerra civil, en agosto de 1936.

    La personalidad de Lorca: tiene un doble rostro: de un lado, su vitalidad arrolladora, con mucha simpatía; de otro más profundo, un íntimo malestar, un dolor de vivir, un sentimiento de frustración, como anuncio de su trágico destino.

3. Obras más reconocidas

Tanto como escritor y poeta, tubo gran importancia en el campo teatral.
Sus principales obras de poesía se encuentran dentro de "El romancero gitano" y "Poeta en Nueva York", de las cuales seleccionaremos más adelante un poema para realizar un comentario de texto. 
En su faceta teatral sin embargo, su éxito empezó a brotar en Argentina. Realizó muchas obras que alcanzaron gran importancia y fama, entre ellas "Bodas de Sangre", "Yerma", "La casa de Bernarda Alba" y "El maleficio de la mariposa".

4. Seleccion de textos

LA AURORA (Poeta en Nueva York, 1929)

La aurora de Nueva York tiene
cuatro columnas de cienoy un huracán de negras palomasque chapotean las aguas podridas.
por las inmensas escaleras
buscando entre las aristas
nardos de angustia dibujada.
porque allí no hay mañana ni esperanza posible.
A veces las monedas en enjambres furiosos
taladran y devoran abandonados niños.
que no habrá paraíso ni amores deshojados;
saben que van al cieno de números y leyes,
a los juegos sin arte, a sudores sin fruto.
en impúdico reto de ciencia sin raíces.
Por los barrios hay gentes que vacilan insomnes
como recién salidas de un naufragio de sangre.



Resumen
Federico García Lorca describe en este poema la llegada de la aurora a la ciudad de Nueva York. Él describe a la aurora como algo totalmente contaminado con “negras palomas” y “aguas podridas”. Pero la gente lo ignora.

Tema
Descripción de la llegada de la aurora a Nueva York como algo sucio, contaminado y desagradable.

Estructura interna y externa

En su estructura externa, este poema está compuesto por cinco estrofas de cuatro versos cada una. Esto le da equilibrio formal al poema.
     En cuanto a su estructura interna presenta la siguiente organización de ideas:

Descripción de la aurora de Nueva York. (La auroras es negra, podrida y contaminada).
Descripción de la gente de Nueva York. (Vive en un "naufragio de sangre", en la total oscuridad...)

Opinion critíca:
Federico García Lorca nos presenta una visión de Nueva York como una gran ciudad sucia y poco higiénico. El poeta expresa mediante el surrealismo, corriente artistica que surge a partir del expresionismo, los sentimientos, emociones y experiencias que vivió durante su viaje a Nueva York, en los mismos días en que sucedió el “crack del 29” que tanta crisis provocó en América y en Europaeconómica, y tantas repercusiones sociales y políticas, al inicio de los años treinta del siglo XX.
En efecto, Lorca describe Nueva York igual que un infierno, o un caos.




+5, Obras teatrales:
Como se ha dicho anteriormente Federico fundo "La Barraca" en 1932. En cuanto a su labor teatral, Lorca emplea rasgos líricos, míticos y simbólicos. En su teatro lo visual es tan importante como lo lingüístico, y predomina siempre el dramatismo. Tuvo muchas obras exitosas, a la que hemos elegido una entre ellas para realizar un comentario de texto:


Bodas de sangre (obra teatral)

Novia: Mi madre era de un sitio donde había muchos árboles. De tierra rica.
Criada: ¡Así era ella de alegre!
Novia: Pero se consumió aquí.
Criada: El sino.
Novia: Como nos consumimos todas. Echan fuego las paredes. ¡Ay!, no tires demasiado.
Criada: Es para arreglarte mejor esta onda. Quiero que te caiga sobre la frente. (La novia se mira en el espejo.) ¡Qué hermosa estás! ¡Ay! (La besa apasionadamente.)
Novia: (Seria) Sigue peinándome.
Criada: (Peinándola)¡Dichosa tú que vas a abrazar a un hombre, que lo vas a besar, que vas a sentir su peso!
Novia: Calla.
Criada: Y lo mejor es cuando te despiertes y lo sientas al lado y que él te roza los hombros con su aliento, como con una plumilla de ruiseñor.
Novia: (Fuerte.) ¿Te quieres callar?
Criada: ¡Pero, niña! Una boda, ¿qué es? Una boda es esto y nada más. ¿Son los dulces? ¿Son los ramos de flores? No. Es una cama relumbrante y un hombre y una mujer.
Novia: No se debe decir.
Criada: Eso es otra cosa. ¡Pero es bien alegre!
Novia: O bien amargo.
Criada: El azahar te lo voy a poner desde aquí hasta aquí, de modo que la corona luzca sobre el peinado.
(Le prueba un ramo de azahar.)
Novia: (Se mira en el espejo) Trae. (Coge el azahar y lo mira y deja caer la cabeza abatida.)
Criada: ¿Qué es esto?
Novia: Déjame.
Criada: No son horas de ponerse triste. (Animosa.) Trae el azahar. (La novia tira el azahar.) ¡Niña! Qué castigo pides tirando al suelo la corona? ¡Levanta esa frente! ¿Es que no te quieres casar? Dilo. Todavía te puedes arrepentir.(Se levanta.)
Novia: Son nublos. Un mal aire en el centro, ¿quién no lo tiene?
Criada: Tú quieres a tu novio.
Novia: Lo quiero.
Criada: Sí, sí, estoy segura.
Novia: Pero este es un paso muy grande.
Criada: Hay que darlo.
Novia: Ya me he comprometido.
Criada: Te voy a poner la corona.
Novia: (Se sienta) Date prisa, que ya deben ir llegando.

(Se sienta la novia en una silla baja y se mira en un espejito de mano. La criada la peina.)
(Bodas de sangre, Federico García Lorca, Acto II, cuadro I)

Resumen:
A la entrada de la casa, la novia y la criada dialogan mientras esta acaba de peinarla para la boda. La criada cuando la peina para la boda mientras tiene envidia de la suerte que tiene por poder tener a un hombre. Pero la novia no comparte, su alegría es mas bien amargura. Cuando le pone el azahar su cara se pone roja, y acaba tirándolo al suelo mientras la criada le pregunta si realmente quiere o no a su novio. La novia responde que sí, está segura porque se ha comprometido, pero que es una decisión demasiado importante. Se dan prisa en acabar antes de que lleguen los invitados.

Tema:
Inseguridad de la novia ante el día de su boda.

Opinión critica
Lorca nos demuestra el nerviosismo que tiene la novia antes de su gran día. Se puede interpretar que se trata de la nobleza ya que tienen una criada que le atiende a la novia y por que como bien dice la obra "Criada: Te voy a poner la corona"

Hecho por:
Chloe Alzueta
Patricia Nistal
Keilying

        

 Contigo

No estás tan sola sin mí.

Mi soledad te acompaña.

Yo desterrado, tú ausente.

¿Quién de los dos tiene patria?

Nos une el cielo y el mar.

El pensamiento y las lágrimas.

Islas y nubes de olvido

a ti y a mí nos separan.

¿Mi luz aleja tu noche?

¿Tu noche apaga mis ansias?

¿Tu voz penetra en mi muerte?

¿Mi muerte se fue y te alcanza?

En mis labios los recuerdos.

En tus ojos la esperanza.

No estoy tan solo sin ti.

Tu soledad me acompaña

Bibliografía:

Altolaguirre escribió pocas obras en su vida. Pero la creación de los diferentes revistas es porque ganó su fama.

Las islas invitadas y otros poemas (1926)

Ejemplo (1927)

Soledades juntas (1931)

La lenta libertad (1936)

Nube temporal (1939)

Nuevas poemas de las islas invitadas (1946)

Fin de una amor  (1949)

Poemas en América (1955)

Altolaguirre también escribió un teatro llamado: El triunfo de las germanías con José Bergamín en 1937

Comentario de Texto

Manuel Altolaguirre era uno de los poetas menos conocidos de la Generación del 27, pero esto no interfirió en la calidad de su poesía. Leyendo la poesía de Altolaguirre el lector se puede dar cuenta que incorporó mucho sentimiento. Altolaguirre fue exiliado múltiples veces por ser republicano. Esto influyó muchísimo en su poesía, incorporando mucha pasión y emoción. Esta emoción que transmite se nota en la sintaxis y la dicción de su poesía. Desde nuestro punto de vista, el hecho de estar exiliado por una gran parte de su vida, tiene un gran peso en la poesía de Altolaguirre y lo que trata de expresar ya que en sus poemas vemos que siempre se transmite el ansia de una conexión humana. Altolaguirre comunica estos sentimientos de conexión mediante  la dicción, el tono con que se expresa en el poema. Para ello, por ejemplo, utiliza preguntas retóricas, melancolía y personificación. Estos recursos lingüísticos ayudan a que el lector perciba los mismos sentimientos que sentía el poeta e incluso, mirar al amor desde su punto de vista.

La dicción que usa Altolaguirre en el poema Contigo esta usada como recurso para poner al lector en la situación emocional del poeta cuando escribe el poema. No está claro en qué periodo de su vida fue escrito el poema, pero se puede ver claramente que era durante un punto de su vida donde él añoraba una conexión romántica que no se puede dar por culpa del exilio. El poeta iguala el sentimiento de exilio con la falta de amor y conexión. Esto se puede ver, por ejemplo, en los versos siguientes: “Mi soledad te acompaña/Yo desterrado, tú ausente.” Este recurso se repite por todo el poema, donde encontramos frases cargadas de pasión y sentimiento, así como sentimientos de nostalgia, que son típicos en una situación de exilio como en los versos: “En mis labios los recuerdos/En tus ojos la esperanza.”

Si se compara la poesía de Altolaguirre con la de Antonio Machado, creemos que las metáforas de Altolaguirre no tienen tantas interpretaciones como las de Machado. Antonio Machado en su poema “Autorretrato”, usaba muchas metáforas que explican dos cosas diferentes: por una parte, la sociedad española y, por otra, su vida. Desde nuestro punto de vista, la poesía de Altolaguirre es más simple, quizá minimalista. Pero aun así, la dicción que usa Altolaguirre impacta al lector por su tono. La dicción de Altolaguirre le da un tono a su poesía desesperado y triste. Esto es muy importante porque esto ayuda a que los otros recursos lingüísticos que usará Altolaguirre sean más impactantes. La dicción pone la escena para el resto del poema.

El poema “Contigo” de Altolaguirre depende fuertemente de las preguntas retóricas que en él se incluyen. Hay cuatro en total y todas tienen la misma función que la dicción: plantear al lector su punto de vista. Esto permite que el lector entienda los sentimientos que expresa el poeta y que pueda entender su frustración y su soledad, y, al mismo tiempo, que pueda sentir empatía. En consecuencia, esto permite que el lector esté más involucrado y sienta más la pasión y dilemas emocionales del poeta. Preguntas como: “¿Mi luz aleja tu noche?” y “¿Mi muerte se fue y te alcanza?” son preguntas que expresa sus sentimientos hacia su mujer. Por su biografía sabemos que mientras estaba Altolaguirre en el exilio, no tenía a su mujer ni a sus hijos a su lado. Estas preguntas expresan los sentimientos de deseo de conexión y que su amor siempre les acompañe, como una luz,  aunque él no esté físicamente con ellos.

De algún modo, Altolaguirre sugiere que su melancolía no es tan dura de sobrellevar sabiendo que hay alguien para quien su amor es como una luz o para quien su hipotética muerte no es un hecho indiferente. Aquellos que están lejos --su mujer e hijos, en su tierra piensan en él y le echan tanto en falta como él a ellos--. En el poema, usa la metáfora para referirse a las causas de su soledad. Por ejemplo en la frase: “Nos une cielo y mar” se refiere al mar solo como una distancia que le separa de su familia y hogar, sino que utiliza este recurso para expresar su amor y deseo de unión. El mar no separa, el mar une. El poeta quiere conectarse con el destinatario de este poema. Así lo expresa también en las dos primeras frases del último verso: “En mis labios los recuerdos, en tus ojos la esperanza”.

Altolaguirre se apoya en el uso de los posesivos para dar énfasis a esa separación que luego se resuelve en unión. Hay ciertas expresiones de mayor importancia a la hora de expresar sus sentimientos. En el verso en el que produce únicamente preguntas retóricas es más llamativo el uso de este recurso, ya que lo incluye en cada frase del verso, dando así forma y vida a “mi luz”, “tu noche”, “tu voz” y “mi muerte”  uniéndolas con una acción que realiza cada una de ellas. Esto hace que el lector se fije en cada uno de estos sujetos y piense en el significado de cada uno de ellos.

        En conclusión, Altolaguirre utiliza varios recursos como dicción, metáfora, utilización de los posesivos, preguntas retóricas, etc para comunicar al lector un sentimiento de separación y de distancia que solo se supera por el amor de los amantes.

Comentario de texto: Obra de Hijos de la Ira
Javier Goicoechea y Oliver Wesolowski

Tema

El tema general que trata esta obra es la soledad y el abandono. 

Resumen

El texto trata sobre una mujer que se encuentra sola en un tren, y corre por el pasillo, de vagón en vagón buscando desesperada a gente  pero sin encontrar a nadie. El tren aparenta andar solo, ya que no parece que haya nadie conduciendo, y no se sabe hacia dónde se dirige.

Contextualización

Dámaso Alonso perteneció al grupo de autores y poetas de la Generación del 27. Este poema fue escrito y publicado en 1946, uno de los momentos más duros que estaba viviendo el país, debido a la posguerra española. Esta etapa histórica se ve reflejada en las obras de Dámaso Alonso, donde se trata mucho la muerte, la soledad y la decadencia durante la posguerra.  

Estructura

El poema esta compuesto por ocho estrofas y a su vez tiene forma de cuartilla; es decir compuesta por cuatro versos cada verso. 
Los versos son de arte mayor ya que tienen mas de nueve silabas. 
Dámaso se temo una licencia poética al no terminar todos sus versos en nueve silabas. El recurso más destacado es la repetición; las palabras más repetidas son "tren" y "sola". También destaca mucho el recurso Polisíndeton, ya que se da la constante repetición del nexo "y", que en mi opinión quiere evocar un sentimiento de angustia y malestar otro recurso utilizado ha sido sinestesia y ha preguntado quien conducía. 
A continuación se contará el numero de silabas de este vello poema.

Hijos de la Ira- un tren a ninguna parte

Y esta mujer se ha despertado en la noche,   15
y estaba sola, 6
y ha mirado a su alrededor, 10
y estaba sola,6 
y ha comenzado a correr por los pasillos del tren, 15
de un vagón a otro, 6
y estaba sola, 6
y ha buscado al revisor, a los mozos del tren, 15
a algún empleado, 5
a algún mendigo que viajara oculto bajo un asiento, 16
y estaba sola, 6
y ha gritado en la oscuridad, 10
y estaba sola, 6
y ha preguntado en la oscuridad, 12
y estaba sola, 6
y ha preguntado 6
quién conducía, 6
quién movía aquel horrible tren. 10
Y no le ha contestado nadie, 10
porque estaba sola, 6
porque estaba sola. 6
Y ha seguido días y días, 10
loca, frenética, 6
en el enorme tren vacío, 8
donde no va nadie, 6
que no conduce nadie. 7

Estructura: Javier Goicoechea. 

Opinión Crítica

En esta obra de Dámaso Alonso, Hijos de la Ira,  la mujer que se encuentra sola y abandonada en el tren se puede considerar una metáfora para referirse al propio autor, y quizá refleja la soledad que sentía él mismo en aquel momento. 
Para entender mejor este poema es imprescindible comprender el momento histórico en el que se sitúa. Como se ha mencionado más brevemente en la contextualización, esta obra se escribió en 1946, en plena posguerra española. España acababa de sufrir tres años de una fuerte y devastadora guerra civil, donde mucha gente había pasado hambre y principalmente, toda expresión en la literatura y el arte estaba restringida y censurada. La situación del país se ve reflejada en el poema con la sensación de soledad y angustia que transmite.
Al analizar el uso y la selección del lenguaje de Dámaso en este poema, es evidente que los recursos más destacables son el Paralelismo y el Polisíndeton, ya que se da la repetición constante de la frase "y estaba sola" y del enlace "y".  Al repetir tanto la frase "y estaba sola", la refuerza y le da más énfasis, impactando al lector. Al fin y al cabo, el mensaje principal de este poema es que la mujer estaba sola y abandonada en el tren sin saber su destino, y el autor deja este mensaje muy claro con su selección de recursos y lenguaje. 
En conclusión, esta obra de Dámaso Alonso es totalmente exitosa transmitiendo la sensación de pánico y angustia que desea transmitir, y los recursos empleados son insustituibles. 

Opinión Crítica: Oliver Wesolowski

La Paloma 

Por Rafael Alberti

Se equivocó la paloma,
se equivocaba.
Por ir al norte, fue al sur.
Creyó que el trigo era agua. Se equivocaba.
Creyó que el mar el cielo;
que la noche, la manaña.
Se equivocaba.
Que las estrellas, rocio;
que la calor, la nevada.
Se equivocaba.
Que tu falda era tu blusa,
que tu corazón, su casa.
Se equivocaba.
(Ella se durmió en la orilla.
Tú, en la cumbre de una rama)

Comentario de texto

Resumiendo de la forma más superficial el tema del poema de Alberti es principalmente la mala interpretación del mundo que nos rodea. El poeta habla de una paloma que no hace más que errar en su visión de cuanto la rodea, interpretando la realidad en ocasiones de forma opuesta.

Llegándonos más a la estructura, se trata de un texto en apariencia sencillo desde el punto de vista estructural. Aún así, en este poema se distinguen tres partes principales: en primer lugar se encuentra la presentación del tema donde expone el tema principal del poema ocupando así la primera estrofa. Seguidamente se encuentra el nudo del poema que se compone por 4 estrofas donde expone los errores de la paloma, siguiendo así una misma estructura y reiterando en el 3º que “se equivoca”. Así mismo, en la 4º estrofa hace aparecer a la mujer a la que se dirige en todo momento el poeta como también objeto de equivocación. Finalmente, ya en el desenlace (en la ultima estrofa de dos versos) se reflejan principalmente las consecuencias de lo errado, donde la paloma y la mujer quedan situadas en un lugar que no les corresponde.

Adentrándonos en la métrica, el poema está compuesto por dos estrofas de dos versos y cuatro estrofas restantes de tres versos cada una. Predominan los versos de ocho sílabas, siguiendo el esquema: 8 a 5 a, 7– 8 a 5 a, 8- 8 a 5 a, 10- 8 a 8 a, 8 a 8 a 5 a, 8 a 8 a.  Se trata de una rima asonante con lo que nos lleva a la conclusión de que puede inclinarse a una estructura más romántica.

Finalmente, en este poema podemos apreciar claramente como la epifora (repetición de palabras al final de una o varias frases) es de las figuras literarias más destacadas, con lo que Alberti quiere destacar el tema principal; la equivocación de la paloma.

Otro recursos también muy destacable es la antítesis, que consiste en la contraposición de términos contradictorios, así como “Por ir al norte, fue al sur”, o decir que el autor intenta expresar las posibilidades que hay al interpretar el mundo.

Opinión crítica

Este poema, forma parte de “Entre el chaval y la espada” publicado en 1914 en Buenos Aires, perteneciente a su época política en la que el autor utiliza su poesía para dar a conocer sus ideas e incluso como propaganda (defendiendo el comunismo). El poema de La Paloma es tal vez el texto más conocido del autor.

En el poema el autor asocia a la paloma con la pureza y con la paz. Adentrándonos en el poema, no hay una interpretación fija en la crítica literaria. Desde un punto de vista, este poema puede verse claramente reflejado con la España desorientada de la época, pero por el otro lado puede tratarse de la viva imagen de España vista desde el exilio, finalmente incluso el poema puede llegarnos a transmitir como la propia paloma se dirige a su amada más que para reiterarle los errores que ha cometido, dejando así al descubierto el lado más romántico de Rafael Alberti.

Como bien se ha mencionado anteriormente, el autor se apoya en recursos literarios para resaltar el tema del poema; sus errores o la mala interpretación estas, repitiendo esto más de una vez en cada estrofa.

En conclusión, este poema por su estructura es un reflejo de sencillez, aunque también de gran profundidad de ideas de Alberti. Para transmitir estas ideas, el poeta, usa en su mayoría técnicas contradictorias con las que consigue expresar de una forma simple, un poema de gran profundidad y significado.